Muere a los 90 años Carlos Pérez Siquier, figura fundamental como renovador de la fotografía española.
Considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y Premio Nacional de Fotografía en 2003.Nos deja un artísta con un poderoso aliento poético que planteó violentas rupturas a contracorriente con su tiempo.
Un creador que se acercó a postulados próximos al neorrealismo para, más adelante, convertirse en un pionero de la fotografía en color.
El Hermitage de San Petersburgo vende copias de Leonardo y Van Gogh.
El principal museo ruso se suma a la moda del criptoarte vendiendo, mediante subasta, la Madonna Litta de Leonardo da Vinci por 150.500 dólares.
El criptoarte supone vender varias copias virtuales de obras maestras en su primera subasta NFT (Non-Fungible Token). Los NFT son archivos digitales criptográficos únicos que pueden ser intercambiables, como las criptomonedas. De esta forma se crean obras de arte digitales únicas y con capacidad de probar su escasez, convirtiéndose en una mercancía que podría revolucionar el mercado del arte
También se vendieron “Esquina del jardín en Montgeron” de Claude Monet y “Judit” de Giorgione, por 74.000 y 65.000 dólares respectivamente.
Además de las citadas obras, salieron a subasta comprar “Composition VI” de Vasili Kandinsky por 80.000 dólares y “Las lilas” de Vincent Van Gogh por 75.000 dólares.
La poco conocida historia de “San Juan Bautista niño”, única escultura de Miguel Ángel en España:
En 1537, el recién nombrado duque de Florencia, Cosimo de Medici regaló esta obra al secretario del emperador Carlos V, Francisco de los Cobos, para influir en las decisiones del consejero. Así, la escultura viajó en secreto a Castilla, trasportándose finalmente al panteón familiar del secretario en la Sacra Capilla de El Salvador de Úbeda. Tanto secretismo convirtió la escultura en una obra de culto llegando a olvidarse el recuerdo de su autor, Miguel Ángel Buonarroti. Aun así, tal es la calidad de la obra que está documentado que durante el siglo XVI diversos artistas acudían a Úbeda para estudiarla. Durante largo tiempo la obra se creyó perdida.
Obra realizada en mármol por Miguel Ángel en su juventud (h. 1495-1496), fue estúpidamente destruida casi por completo en 1936, durante la Guerra Civil. Solo se conservaron catorce fragmentos: la cabeza fue arrojada a la hoguera.
Recientemente ha sido restituida, mediante un complejo proceso que se ha prolongado durante dos décadas en el prestigioso centro de restauración Opificio delle Pietre Dure (Florencia), y hoy puede contemplarse en el Museo Nacional del Prado de Madrid (España).
En el siglo XXI, algunas obras arquitectónicas se transforman al caer la noche luciendo con aún mayor esplendor. A partir de espectaculares juegos de iluminación, estos edificios mutan por la noche ofreciendo atractivos colores que fascinan a quienes los contemplan.
Como ejemplo muestro el Lotus Building. Impresionante creación que flota en mitad de un lago artificial en el centro de Wujin (China), diseñado por la prestigiosa firma de arquitectura australiana Studio 505. En este hermoso edificio, inspirado en la flor de loto, se terminó de construir en 2013 y en él se ubican las oficinas municipales de planificación urbanística.
El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela puede disfrutarse en su color original. La Fundación Barrié recoge en un libro el proyecto de restauración en el que, sin añadir ningún pigmento, se han recobrado los colores originales y se ha devuelto el aspecto del monumento en el siglo XII.
Adjunto el enlace para disfrutar del pórtico en 3D.
La Fundación Barrié es la entidad responsable de la restauración del Pórtico de la Gloria, labor que necesitó de 50.000 horas entre 2006 y 2018, en la que participaron 80 especialistas y que costó 6,2 millones de euros, para que un admirado monumento gris, obra maestra del arte románico, desvelara sus secretos colores.
Es tal la proeza técnica que incluso en las zonas, de este conjunto escultórico de 18 metros de largo por 11 de alto, donde aparentemente ya no quedaba rastro de la pigmentación románica, el microscopio detectó partículas que revelaban la composición y disposición de los colores originales.
Fuentes:
http://catedraldesantiago.es/portico-de-la-gloria/
“La guerra”, a veces conocida como el tríptico de guerra de Dresde, es una gran pintura al óleo de Otto Dix en cuatro paneles de madera, un tríptico con predela.
Puede apreciarse como el formato elegido para la obra y su composición se basan en trípticos religiosos del Renacimiento, como los de Matthias Grünewald.
Dix inició el proyecto en 1929 y lo completó en 1932. Es esta una de las diversas creaciones contra la guerra realizados por Dix en la década de 1920, cuando daba clases en la escuela de Bellas Artes de Dresde, inspirado en sus dolorosas experiencias sufridas durante la Primera Guerra Mundial, contienda a la que se fue voluntariamente.
El gran panel central es un cuadrado de 204 cm; los paneles laterales a cada lado tienen la misma altura, pero la mitad del ancho, 102 cm cada uno; y la predela debajo del panel central tiene el mismo ancho y 60 cm de alto.
Mirando de izquierda a derecha, encontramos que el ala izquierda “muestra una columna de soldados alemanes alejándose del espectador a través de la niebla de la guerra hacia la batalla en la escena central. El panel central muestra un paisaje urbano devastado salpicado de parafernalia de guerra y partes del cuerpo, reelaborando los temas de su obra de 1923 La trinchera, y dividido como el Retablo de Isenheim del siglo XVI de Matthias Grünewald con un lado vivo en la parte inferior izquierda y un lado muerto en la parte superior derecha. Una figura esquelética flota sobre la escena, apuntando hacia la derecha, con un soldado con máscara de gas debajo, y piernas escabrosas volteadas hacia la derecha, recordando las piernas de Cristo en la escena de la crucifixión de Grünewald. El ala derecha muestra varias figuras retirándose de la lucha. Una figura grisácea dominante, ayudando a un compañero herido, es un autorretrato de Dix, en una composición similar a un descenso de la cruz o una piedad. En la predela, varios soldados yacen uno al lado del otro, posiblemente durmiendo bajo un toldo, o tal vez representan a los muertos en una tumba. Este cuarto panel está basado en El cuerpo del Cristo muerto en la tumba de Hans Holbein el Joven.
La pintura utiliza una paleta restringida de colores principalmente oscuros, con verdes fríos, grises y blancos para la muerte y la descomposición, y rojos y naranjas cálidos para la sangre, la destrucción y el fuego.”
La escultura “El Ángel Caído” se encuentra en el parque del Retiro de Madrid (España). Es obra del escultor Ricardo Bellver (1845-1924), forma parte de una fuente para la que Francisco Jareño diseño el pedestal.
En 1877 Bellver realizó en yeso la obra, se encontraba en su tercer año como pensionado en la Academia Española de Bellas Artes de Roma. El año siguiente ganó con ella la Medalla de Primera Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes, celebrada en Madrid.
En el catálogo de dicha exposición se mencionan unos versos de “El paraíso perdido”, de John Milton, dejando claro que Bellver se inspiró en este clásico de la literatura:
Por su orgullo cae arrojado del cielo con toda su hueste de ángeles rebeldes para no volver a él jamás. Agita en derredor sus miradas, y blasfemo las fija en el empíreo, reflejándose en ellas el dolor más hondo, la consternación más grande, la soberbia más funesta y el odio más obstinado.
Canto I de El paraíso perdido, Milton
Esta obra está envuelta en un halo de esoterismo ya que la glorieta del Ángel Caído se encuentra a una altitud topográfica oficial de 666 metros sobre el nivel del mar, el llamado Número de la Bestia.
Ana Mercedes Hoyos (1942-2014) artista colombiana. Estudió artes plásticas en la Universidad de los Andes y en la Universidad Nacional dé Bogotá, pero no se graduó en ninguna de ellas por dedicarse a la pintura. En 1966 Hoyos comenzó a exponer su obra, muy cercana al arte pop. Su interés por la investigación de las variaciones del color y las transparencias del óleo le llevó a la abstracción, con superficies muy claras, cercanas al blanco, con variaciones tonales casi imperceptibles.
Una de sus series más importantes, titulada “Ventanas”, está compuesta por pinturas de pequeño formato, cuadradas, en las que líneas verticales, horizontales y diagonales enmarcan un paisaje abstracto. Tras esta representación arquitectónica y geométrica dio paso a la serie “Atmosferas”, compuesta por cuadros de superficies abstractas que tienden al blanco con tono azulados. Así, en esta etapa su obra (1969-1979) se basa en criterios cromáticos, no representativos.
A partir de 1980, Hoyos toma el difícil camino de reinventar su pintura volviendo esta más figurativa con las series “Paisajes” y “Girasoles”.
En 1987 crea una nueva serie de obras figurativas con motivos nacionales titulada “Bodegones de Palenque”, de colores fuertes, casi planos, a partir de fotografías tomas por la artista entre las vendedoras de frutas de Cartagena.
Al final de su carrera, cuando ya disponía de un fuerte prestigio internacional, trabajó la escultura con cabezas de palenqueras de grandes dimensiones, hechas en bronce y con lazos en distintos colores.
Sorolla es conocido por su escenas mediterráneas, escenas de niños en la playa, pero antes del éxito hubo un Sorolla que fracasó. El cuadro “El entierro de Cristo” (1885-1887) que exhibió en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1887 recibió unas críticas feroces.
El pintor valenciano quedó muy afectado, tanto es así que abandonó la gran obra de 7 metros, que terminó destruida, y se refugió en Asís (Italia) para meditar que camino debía seguir su pintura.
Hoy quiero recordar como pintaba Sorolla tras recuperarse de tan enorme decepción con tres ejemplos.
El camino al éxito es el esfuerzo y la aceptación de los errores.
Leonardo Alenza y Nieto fue considerado un pintor maldito, pasó durante su vida toda clase de privaciones y penurias económicas, consiguió sobrevivir a duras penas vendiendo sus dibujos y con el pequeño ingreso que recibía por colaborar en revistas ilustradas.
Murió en el anonimato, pero poco tiempo despúes se produjo el reconocimiento de su obra por parte de la crítica y del público, llegando hasta nuestros días.Este pintor y grabador romántico español se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando con grandes maestros como Ribera o Madrazo.
Alenza está considerado como el gran narrador de las costumbres de las clases más pobres y marginadas de la sociedad de Madrid, que retrata con un sentido crítico cercano a Goya.
Para que podías disfrutar de su obra subo las pinturas “Satira del suicidio romántico” (1837), su posible Autoretrato (1824), “La azotaina” (1835) y “El borracho” (1835).
